En su particular enfoque artístico, sumerge la realidad en la penumbra de la noche, creando cuadros que se materializan en tan solo 15 minutos. Sus obras son anotaciones sobre la noche, capturando la esencia de entrar o salir de este misterioso periodo. García-Alix logra plasmar momentos y estados específicos, especialmente en el anochecer, convirtiendo la noche en una materia palpable. Su abordaje es formal y tradicional, arraigado en la observación evidente, destacando la necesidad de ser rápido en su expresión, reflejando la fugacidad de la noche y capturando visualmente la sensación de un cielo azul en plena oscuridad.

Lucía Gutiérrez Vázquez (Madrid, 1992) es una arquitecta y artista multidisciplinar cuyo enfoque pone en diálogo la pintura, el paisaje y la interacción entre el espacio físico y las experiencias sensoriales. Su formación académica incluye un Doctorado en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid (2019 - actualidad) y una amplia formación complementaria en el ámbito de la comunicación arquitectónica, la pintura y la historia del arte.

A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones individuales y colectivas destacadas, entre ellas la Bienal de Arquitectura de Venecia (2018) y el Festival de Fotografía de Coruña (2018), mostrando una amplia versatilidad en disciplinas artísticas como la fotografía, la pintura y la escenografía. Su obra explora temáticas que vinculan el espacio arquitectónico con la percepción humana.

Lucía ha sido reconocida con numerosos premios y becas, como el Primer Premio Certamen Jóvenes Creadores (2021) y la Beca Fundación Antonio Gala (2018-2019), además de recibir varias becas para la formación de profesorado universitario por el Ministerio de Universidades (2020-2024). Su obra ha sido publicada en revistas académicas y libros sobre arquitectura y arte contemporáneo.

Su práctica aborda lo cotidiano a través de una exploración íntima del color y el espacio con la serenidad de quien no pretende asumir la lógica visual, en ocasiones excesiva y ruidosa, de los tiempos modernos. Lucía Gutiérrez acoge en sus lienzos, de pincelada espesa y abocetada, la inmensidad de lo que se desliza por su mirada: una mirada que dignifica con la misma destreza la luz incidiendo sobre un paisaje como la frágil materialidad de un barquito de papel. La pintura funciona aquí como un eslabón sigiloso que sostiene el salto que hay entre la imagen real que las cosas ofrecen y la mirada que las recorre.

(Madrid/Nueva York, 1991) fusiona la fotografía, la pintura y el collage para crear espacios sugerentes, donde la luz en la sombra cobra un protagonismo singular. Su proceso creativo se inicia con una observación consciente, renunciando a sí misma frente a paisajes o momentos significativos. En su obra, busca perpetuar la esencia sensorial de fenómenos efímeros como el deslumbramiento del sol, la oscuridad de la noche y los matices de la penumbra. Guerrero aspira a dar dimensión física a percepciones fugaces, revelando la luz en toda oscuridad. La eliminación selectiva de la luz en su trabajo da forma a la composición, emergiendo figuras, horizontes y luces detrás de montañas mediante un proceso manual y místico. Su enfoque apunta a capturar un estado perpetuo de penumbra, convirtiéndose en testigo y persiguiendo constantemente la esencia efímera de la observación, una fuga constante que evoca el concepto japonés de "yugen".

Leopoldo Mata (Badajoz. 1994) es un artista visual y tatuador licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Tras finalizar su grado pasó varios años en París, donde se desarrolló como artista del tatuaje, lo cual ha considerado un complemento a su práctica pictórica. Su trabajo se caracteriza por una estética transgresora que redefine y rompe con las convenciones de la iconografía y los procesos del tatuaje a través de una mirada plástica y creativa.

De regreso en España, completó el Máster Landa (Laboratorio Anual para Nutrir la Dispersión Artística) en Espositivo, lo que marcó el regreso de su carrera como pintor. En su planteamiento artístico la pintura se mantiene como el eje central de su práctica, pero también es utilizada como plataforma para explorar y expandir su trabajo hacia otras disciplinas. Un ejemplo destacado de su multidisciplinariedad es su colaboración con la firma de moda Boltad, participando en la intervención de tejidos y estampados mediante técnicas de aerografía.

“Si hay un patrón con el que me sienta cómodo para hacer una aproximación a mi trabajo es la yuxtaposición de diferentes lenguajes visuales como consecuencia del abandono de ideas a medio camino de ejecución que a menudo son solapadas con otras ideas/sistemas, evocando a la dispersión y a la no aprehensión de ninguna verdad. Me interesa construir desde el ruido y la interrupción continuada que caracteriza nuestro presente incluyéndola en el proceso pictórico; jugar con conceptos seriamente por un rato para derribarlos más tarde con una sensación generando una miscelánea que habla de mi manera de entender el mundo contemporáneo".

De esta forma, Leopoldo Mata propone una visión del arte como territorio fragmentado, donde el caos y la discontinuidad no son obstáculos, sino motores comunicativos. En lugar de buscar una coherencia o un significado fijo, su trabajo refleja los movimientos y contradicciones de la contemporaneidad, invitando a la reflexión sobre lo efímero y lo inestable. Así, su pintura se convierte en un espacio donde las ideas se mezclan, superponen y disuelven, sugiriendo una mirada crítica hacia los sistemas que intentan ordenar la realidad.

(Jalisco, 1993) es graduado por el Royal College of Art, Londres. Previamente estudió Diseño Textil en Central Saint Martins Londres.

El punto de partida de su obra pictórica y escultórica es la “coreografía intuitiva”, término que condensa una repetición metodológica: salir, desplazarse para volver y luego trazar el recorrido. En general, estos viajes fuera de la ciudad buscan que el cuerpo se convierta en el medio para una presencia atenta en su entorno. La apuesta no es por una interpretación de lo natural, sino por una relación singular que permite al cuerpo generar un diferencial al verse afectado por el encuentro: es decir, por lo imprevisible. La sensación se abre y la percepción responde estableciendo una línea de interpretación, una posición -con vistas a ser compartida- sobre lo experimentado.

Al regresar, comienza la segunda parte del proceso. Pensando en la producción como una especie de tránsito, Alejandro Villa, suele trabajar en series que le permiten explorar lo vivido y lo experimentado, al tiempo que éste se ve afectado por los materiales y las condiciones de cada medio.

En pintura, el límite es la propia paleta de colores, que selecciono antes de empezar. Más que una representación, la pintura es para mí una coreografía que empieza y termina con el cuerpo: la mano traza, pero el cuerpo se mueve sobre el lienzo. Esto emite una temporalidad ligada al trance entre pintura y memoria; la pintura es la presencia frente al cuadro, mientras que la memoria (del viaje que precede a la práctica) es el contrapunto que construye el ritmo de la composición. En ella, la superposición de marcas y manchas es tan relevante como el vacío que sustenta tanto la experiencia como la imagen.