Tras las exposiciones 'Hot Links' y 'De oro en su núcleo', en las que hemos mostrado diferentes trabajos de Esther Merinero (Madrid, 1994) en Pradiauto, nos alegra presentar en Artesantander un proyecto individual de la artista con una selección de piezas realizadas en 2021 y 2022.
El nombre del proyecto, 'Enredo (Un hilo de plata)', responde a su interés constante por ahondar en los lazos que nacen entre objetos, cuerpos, e historias. A través de portales, joyas, tuercas, charcos, llaves o cadenas la obra de Merinero es una especulación sobre la capacidad mágica del objeto para transportar y convertirse en memoria. El proyecto ofrece una visión panorámica de su trabajo reciente en diferentes técnicas: esculturas en resina y aluminio, punto metálico y cianotipias.
(1994, Madrid). Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Chelsea College of Arts. Posteriormente graduada en MA Sculpture, por el Royal College of Art, gracias a una beca otorgada por la Fundació “la Caixa” (2019) para estudios de posgrado en el extranjero. Durante 2021 continuó con la producción de su obra gracias a una ayuda para las artes visuales de la Comunidad de Madrid y en 2022 fue otorgada el premio de Circuitos de las Artes Plásticas. Su obra ha sido incluida en exposiciones internacionales en espacios como Centre del Carmé Cultura Contemporània (Valencia), Saatchi Gallery (Londres), Cromwell Place (Londres), Dada Post (Berlín) o Charsoo Honar (Teherán), y es representada por la galería Pradiauto (Madrid). Ha impartido conferencias y talleres en diferentes instituciones como University of the Arts (Londres), University of the Creative Arts (Farnham) o en Espositivo Academy (Madrid). En los próximos meses mostrará su trabajo en Centro Centro (Madrid) y en SZN (Londres), entre otros.
El trabajo de Esther presta atención a los pequeños detalles que dan significado a eventos en nuestro día a día y los convierten en memorias, proponiendo así narrativas paralelas que parten de una realidad. Los objetos se convierten en colecciones, en listas de obsesiones, y la carga emotiva que adquieren les hace tener un peso equivalente al de un sujeto. Estos objetos son otro tipo de cuerpo, que puede interactuar y sentir, pero que también puede escapar o perderse. Estos objetos, si se pierden o escapan entre los agujeros, son irremplazables, pues sirven de objeto pero también de escudo, y una vez desaparece éste se puede ver el vacío que deja, el agujero. Este interés responde a la compleja relación entre volúmenes formalmente separados pero emocionalmente unidos, y los relaciona dentro de fantásticos escenarios.
Su práctica presta una constante atención a las nociones de accidente, el amor y la fragilidad, que responden a una urgencia dentro de la situación social contemporánea en la que vivimos. Esther desarrolla estas ideas a través de una variedad de medios que se activan desde el uso de imágenes, objetos o textos que crecen hacia una materialidad escultórica, narrativa y escénica; pudiendo ser ésta activada a través de agentes concretos y el público.
Con 'Around, above and beyond' clausuramos un año de colaboración intensa y celebramos lo que está por llegar. Resumimos el viaje y adelantamos la próxima ruta. En esta ocasión las artistas compartirán obra en proceso, piezas que han sido poco mostradas y experimentos con procesos nuevos.
Un paseo entre madreselvas, huesos y cadenas. Un paisaje fantástico de cuerpos, flores y frutas prohibidas. Un encuentro más en nuestro jardín de las delicias, entre lo amorfo y el futuro.
Karolina Dworska (Rzeszów, 1997) es una artista polaca afincada en Londres. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Goldsmiths en Londres y en 2021 fue seleccionada para el premio New Contemporaries, la red de apoyo a prácticas artísticas emergentes más importante de Reino Unido.
Su obra ha sido expuesta en espacios de gran prestigio como la South London Gallery y la Firstsite de Colchester, además de participar en muestras destacadas como “No loose Threads” en The Feminist Library y “[un]fabricated” en D. Contemporary, ambas en Londres.
La obra textil y escultórica de Karolina Dworska toma como punto de partida las imágenes lejanas y ambiguas del sueño, dándoles cuerpo a través de una serie de espacios imaginados donde residen seres y figuras desmembradas y amorfas. Dworska recorre la densidad de los estados oníricos para examinar la extrañeza y la fragilidad que conlleva habitar un cuerpo.
Sus referentes, entre los que se encuentran las pinturas de El Bosco, el film El Planeta Salvaje o las novelas gráficas de terror de Junji Ito, están repletos de oscuridad, bestiarios medievales, dragones, sueños y distopías surrealistas.
Su práctica artística se introduce, desde procesos muy diversos, en lugares repletos de viscosidad, fantasía frágil y sueños agitados, llevando a cabo un ejercicio dual de respeto hacia la fantasía y hacia la memoria.
(1994, Madrid). Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Chelsea College of Arts. Posteriormente graduada en MA Sculpture, por el Royal College of Art, gracias a una beca otorgada por la Fundació “la Caixa” (2019) para estudios de posgrado en el extranjero. Durante 2021 continuó con la producción de su obra gracias a una ayuda para las artes visuales de la Comunidad de Madrid y en 2022 fue otorgada el premio de Circuitos de las Artes Plásticas. Su obra ha sido incluida en exposiciones internacionales en espacios como Centre del Carmé Cultura Contemporània (Valencia), Saatchi Gallery (Londres), Cromwell Place (Londres), Dada Post (Berlín) o Charsoo Honar (Teherán), y es representada por la galería Pradiauto (Madrid). Ha impartido conferencias y talleres en diferentes instituciones como University of the Arts (Londres), University of the Creative Arts (Farnham) o en Espositivo Academy (Madrid). En los próximos meses mostrará su trabajo en Centro Centro (Madrid) y en SZN (Londres), entre otros.
El trabajo de Esther presta atención a los pequeños detalles que dan significado a eventos en nuestro día a día y los convierten en memorias, proponiendo así narrativas paralelas que parten de una realidad. Los objetos se convierten en colecciones, en listas de obsesiones, y la carga emotiva que adquieren les hace tener un peso equivalente al de un sujeto. Estos objetos son otro tipo de cuerpo, que puede interactuar y sentir, pero que también puede escapar o perderse. Estos objetos, si se pierden o escapan entre los agujeros, son irremplazables, pues sirven de objeto pero también de escudo, y una vez desaparece éste se puede ver el vacío que deja, el agujero. Este interés responde a la compleja relación entre volúmenes formalmente separados pero emocionalmente unidos, y los relaciona dentro de fantásticos escenarios.
Su práctica presta una constante atención a las nociones de accidente, el amor y la fragilidad, que responden a una urgencia dentro de la situación social contemporánea en la que vivimos. Esther desarrolla estas ideas a través de una variedad de medios que se activan desde el uso de imágenes, objetos o textos que crecen hacia una materialidad escultórica, narrativa y escénica; pudiendo ser ésta activada a través de agentes concretos y el público.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la UCM en el CES Felipe II de Aranjuez. En 2017, obtuvo un Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Complutense de Madrid. En 2010, completó sus Estudios Superiores de Diseño en la Escuela de Arte no 10 de Madrid y, en 2009, fue beneficiaria de una beca Erasmus en la École Duperré de París.
Su obra ha sido expuesta en varias muestras individuales y colectivas, destacando exposiciones como "Metal Heart: lo que pesa" en Departamento, Bilbao; "Bajo el cielo de la noche" en Boiler Room, Luis Adelantado Gallery, Valencia; y "A Strange Fairytale" en Pradiauto, ArteSantander, Santander, entre otras. Además, ha participado en importantes exposiciones colectivas como la presentación del Premio Miquel Casablancas (2023) en Barcelona, "Malas Hierbas" en CasaBanchel, Madrid (2024), y "Garden Shed" en Villa Bergerie, Huesca (2023).
Pardo Puch también ha sido parte de diversas residencias artísticas, incluyendo GlogauAIR en Berlín (2024), Villa Bergerie y la Pollock-Krasner Foundation en Huesca (2023), Artist in Residence Munich (2022) y el Programa de Residencias Artísticas de Matadero en Madrid (2020).
A lo largo de su carrera ha recibido varios reconocimientos, como el Premio Miquel Casablancas (finalista, 2023), el Premio de Adquisición en Nada Sobra de la Universidad Nebrija (2017) y la Mención Especial en Getxoarte, Bilbao (2016).
A partir de experiencias personales, emociones y situaciones cotidianas, la obra de Pardo Puch explora la memoria, el deseo y la repetición. Su práctica se apoya en procesos intuitivos y minuciosos en los que el dibujo y la costura ocupan una posición central. En sus piezas, el contraste entre materiales industriales y técnicas artesanales genera un diálogo que desafía las asociaciones convencionales entre forma, función y valor.
Su trabajo emplea la geometría para estructurar procesos en los que la cuadrícula, la perspectiva calculada y la precisión de las líneas convierten la repetición en un estado casi meditativo. Desde el detenimiento y la acumulación, la artista concibe su práctica como un espacio de canalización, donde el hacer deviene pensamiento y los materiales desechables revelan nuevas posibilidades expresivas.
“La espera parte de una sensación que tuve en un viaje. De un estado monótono, surgió una sensación de vitalidad que me sacó de la repetición y automatismo cotidiano. La producción de la exposición ha sido un estado de espera, una contención ansiosa por volver a encontrar un estallido vital, un trabajo en una dirección con la convicción de que en algún momento volverá a ocurrir.”
Nos alegra mucho presentar "La Espera" el primer proyecto en solitario de Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) en Pradiauto. La exposición presenta una selección de obras recientes e incluye instalación, dibujo en acuarela, cerámica y patchwork.
A la vez que esta exposición ofrece una visión panorámica de las técnicas y motivos ya característicos de su trabajo, en La Espera se abre camino un nuevo lenguaje formal, un brote estético acechante e imprevisible. La cuadrícula se llena de madreselva, formas serpenteantes se asoman, entre cadenas hay frutas vibrantes, el cubo explota y gotea. Frente a la repetición, una fuerza ansiosa que trata de escapar de ello. Frente a la trama, como la estructura de un tejido que se va conformando con el tiempo, el estallido que la rompe. Frente al confort de lo domestico, una irrupción salvaje. Asistimos, en La Espera, al nacimiento de una suerte de contrastética - una revolución interna que altera su propio código, un flujo opuesto que se integra, desde la raíz, para seguir abriendo significado.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la UCM en el CES Felipe II de Aranjuez. En 2017, obtuvo un Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Complutense de Madrid. En 2010, completó sus Estudios Superiores de Diseño en la Escuela de Arte no 10 de Madrid y, en 2009, fue beneficiaria de una beca Erasmus en la École Duperré de París.
Su obra ha sido expuesta en varias muestras individuales y colectivas, destacando exposiciones como "Metal Heart: lo que pesa" en Departamento, Bilbao; "Bajo el cielo de la noche" en Boiler Room, Luis Adelantado Gallery, Valencia; y "A Strange Fairytale" en Pradiauto, ArteSantander, Santander, entre otras. Además, ha participado en importantes exposiciones colectivas como la presentación del Premio Miquel Casablancas (2023) en Barcelona, "Malas Hierbas" en CasaBanchel, Madrid (2024), y "Garden Shed" en Villa Bergerie, Huesca (2023).
Pardo Puch también ha sido parte de diversas residencias artísticas, incluyendo GlogauAIR en Berlín (2024), Villa Bergerie y la Pollock-Krasner Foundation en Huesca (2023), Artist in Residence Munich (2022) y el Programa de Residencias Artísticas de Matadero en Madrid (2020).
A lo largo de su carrera ha recibido varios reconocimientos, como el Premio Miquel Casablancas (finalista, 2023), el Premio de Adquisición en Nada Sobra de la Universidad Nebrija (2017) y la Mención Especial en Getxoarte, Bilbao (2016).
A partir de experiencias personales, emociones y situaciones cotidianas, la obra de Pardo Puch explora la memoria, el deseo y la repetición. Su práctica se apoya en procesos intuitivos y minuciosos en los que el dibujo y la costura ocupan una posición central. En sus piezas, el contraste entre materiales industriales y técnicas artesanales genera un diálogo que desafía las asociaciones convencionales entre forma, función y valor.
Su trabajo emplea la geometría para estructurar procesos en los que la cuadrícula, la perspectiva calculada y la precisión de las líneas convierten la repetición en un estado casi meditativo. Desde el detenimiento y la acumulación, la artista concibe su práctica como un espacio de canalización, donde el hacer deviene pensamiento y los materiales desechables revelan nuevas posibilidades expresivas.
“Una exposición es un archipiélago de imágenes y vibraciones. A la vez un mapa y un contramapa, lo que oculta y lo que revela.”¹
La exposición Harp and Throat fusiona la obra reciente de Gabriel Alonso, Madrid, 1986 y Vica Pacheco, Oaxaca, México, 1993. El proyecto toma su título de los cantos de garganta de los Inuit. En esta comunidad, antes de ir a cazar o mientras se prepara un evento especial, las mujeres interpretan las canciones de garganta mientras bailan en círculos. Elaborados a partir de gruñidos rítmicos, respiraciones y sonidos guturales, acompañados de un arpa metálica, estos cantos sin palabras reproducen el sonido del viento, del agua y de la llamada de los gansos. Nacen como celebraciones rituales de prosperidad y buena suerte.
Fascinado por los instrumentos que el ser humano ha creado desde siempre para navegar hacia lo desconocido y por la manera en que nos relacionamos con los paisajes inciertos, Gabriel Alonso propone una cartografía constituida por un viaje histórico sobre el origen de los mapas y los instrumentos de navegación. Materializado en una serie de esculturas de reciente producción, sus contramapas invierten la lógica de nuestra representación del mundo explorado, ficcionando otra relación entre el agua y la tierra, nuestro miedo y nuestra fe. Este paisaje espacial y narrativo está habitado por una pieza sonora en constante evolución de Vica Pacheco: A Breath Manifest, 2022. La respiración de Vica compone su pista como el único instrumento que tiene. Al igual que las olas del mar no se suman, simplemente vienen y se van, el aliento no se acumula, sólo pasa por nuestro cuerpo, se va y vuelve a empezar, interrumpiendo el silencio.
-
¹ Carrión, J. Sampleo de fragmentos escritos para esta exposición y de citas extraídas de Membrana (Galaxia Gutenberg, 2021), Todos los museos son novelas de ciencia ficción (Galaxia Gutenberg, 2022) y El Museo (con Sagar, MNAC-Norma Editorial, septiembre de 2022).
nació en Oaxaca, sur de México en 1993, vive y trabaja en Bruselas. Estudió Arte en La Esmeralda en la Ciudad de México antes de graduarse en Villa Arson, Francia, en 2017.
El trabajo de Vica es sobre todo ecléctico y enérgico, independientemente de sus fuentes de inspiración y interés por el mestizaje mitológico, las tecnologías prehispánicas y el sincretismo.
Con frecuencia dispone elementos heterogéneos y azarosos para producir performances sonoras e instalaciones. Su práctica está enraizada en la música experimental y la composición, pero también tiene una vertiente plástica que pasa por la cerámica y la animación 3d.
Pradiauto presenta "Deep Dive", la primera exposición en el espacio dedicada a dos artistas afincados en Londres. Karolina Dworska (1997, Rzeszów, Polonia) ha estudiado en la Universidad de Goldsmiths y este año ha recibido el premio New Contemporaries —la más importante red de apoyo a prácticas artísticas emergentes de Reino Unido—. Su obra más reciente se mostrará en conversación con la pintura de Kin-Ting Li, (1991, Hong Kong, China) graduado en el 2019 en la Slade School of Fine Arts de Londres.
La exposición "Deep Dive" se adentra en el trabajo de estos dos artistas y reivindica el mundo de los sueños y de lo amorfo como lugar de pura potencia. El título de esta propuesta remite o hace alusión a ese buceo interior, íntimo y personal que se produce durante el sueño. Ambos autores se dejan absorber en un túnel onírico de formas ilógicas y cuerpos desmembrados, elementos que luego incorporan como parte de su imaginario artístico. Los dos se introducen, desde procesos muy diversos, en lugares repletos de viscosidad, fantasía frágil y sueños agitados, llevando a cabo un ejercicio dual de respeto hacia la fantasía y hacia la memoria.
En diálogo con este proyecto, Pradiauto presenta una selección de dibujos de Javier Chozas, que vive y trabaja en Madrid. El artista, que también se graduó en Goldsmiths en 2018, muestra en esta ocasión una selección de obra sobre papel y relieves en resina. Pradiauto busca reconocer su labor en el campo del dibujo y la importancia de la línea dentro de un trabajo a menudo identificado con la escultura.
Karolina Dworska (Rzeszów, 1997) es una artista polaca afincada en Londres. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Goldsmiths en Londres y en 2021 fue seleccionada para el premio New Contemporaries, la red de apoyo a prácticas artísticas emergentes más importante de Reino Unido.
Su obra ha sido expuesta en espacios de gran prestigio como la South London Gallery y la Firstsite de Colchester, además de participar en muestras destacadas como “No loose Threads” en The Feminist Library y “[un]fabricated” en D. Contemporary, ambas en Londres.
La obra textil y escultórica de Karolina Dworska toma como punto de partida las imágenes lejanas y ambiguas del sueño, dándoles cuerpo a través de una serie de espacios imaginados donde residen seres y figuras desmembradas y amorfas. Dworska recorre la densidad de los estados oníricos para examinar la extrañeza y la fragilidad que conlleva habitar un cuerpo.
Sus referentes, entre los que se encuentran las pinturas de El Bosco, el film El Planeta Salvaje o las novelas gráficas de terror de Junji Ito, están repletos de oscuridad, bestiarios medievales, dragones, sueños y distopías surrealistas.
Su práctica artística se introduce, desde procesos muy diversos, en lugares repletos de viscosidad, fantasía frágil y sueños agitados, llevando a cabo un ejercicio dual de respeto hacia la fantasía y hacia la memoria.
Kin-Ting Li (Hong Kong, 1991) intenta, a través de su práctica pictórica, crear nuevas formas y abordar la subjetividad de la interpretación. Mediante perspectivas entrelazadas y formas cambiantes, los cuadros se sitúan dentro de un espacio repleto de diversas formas de construcción ficticia. La observación de la vida cotidiana da lugar a un compuesto visual de texturas, estructuras orgánicas y objetos simplificados en formas casi simbólicas.
(Madrid, 1972). Graduado en 2018 en el Máster de Bellas Artes en la Universidad de Goldsmiths; también tiene un Máster en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Graduado en Arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Madrid. Su trabajo ha sido expuesto en la Galería Tenderpixel de Londres; La Cada Encendida, Matadero, Tabacalera (Madrid), Museo Würth (La Rioja), P60 (Amstelveen), Kunsthaus Bethanien (Berlín), La Panacée (Montpellier) y Bólit (Girona) entre otros. En 2014, publicó su primer ensayo titulado "El tiempo digital. Narciso narcotizado". Además, escribe en BritEs Magazine.
Pradiauto presenta la exposición colectiva "De Oro en su Núcleo". El proyecto parte de la ciudad de Londres y el Royal College of Art como inicio de diversos lazos entre Esther Merinero, Lina Lapelytė, Alejandro Villa Durán y Frederik Nystrup-Larsen. La muestra se activa como una zona de convergencia de ideas e intuiciones artísticas. Un encuentro que ya se había iniciado en el tiempo y que ahora se materializa en el espacio.
"De Oro en su Núcleo" recoge, a través del fluir, lo fluido y la narrativa, una serie de gestos e interacciones con la historia, la naturaleza, lo mágico y el sujeto contemporáneo que se materializan de formas muy diferentes, pero que comparten y se encuentran en una percepción frágil de los ritmos de la sociedad actual. Las obras de la exposición nos sitúan en lugares inciertos e inquietantes, en medio de un torrente, de un portal, de una selva o de un sueño: lugares donde solo la ficción, la fábula y la magia pueden guiarnos.
(1994, Madrid). Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Chelsea College of Arts. Posteriormente graduada en MA Sculpture, por el Royal College of Art, gracias a una beca otorgada por la Fundació “la Caixa” (2019) para estudios de posgrado en el extranjero. Durante 2021 continuó con la producción de su obra gracias a una ayuda para las artes visuales de la Comunidad de Madrid y en 2022 fue otorgada el premio de Circuitos de las Artes Plásticas. Su obra ha sido incluida en exposiciones internacionales en espacios como Centre del Carmé Cultura Contemporània (Valencia), Saatchi Gallery (Londres), Cromwell Place (Londres), Dada Post (Berlín) o Charsoo Honar (Teherán), y es representada por la galería Pradiauto (Madrid). Ha impartido conferencias y talleres en diferentes instituciones como University of the Arts (Londres), University of the Creative Arts (Farnham) o en Espositivo Academy (Madrid). En los próximos meses mostrará su trabajo en Centro Centro (Madrid) y en SZN (Londres), entre otros.
El trabajo de Esther presta atención a los pequeños detalles que dan significado a eventos en nuestro día a día y los convierten en memorias, proponiendo así narrativas paralelas que parten de una realidad. Los objetos se convierten en colecciones, en listas de obsesiones, y la carga emotiva que adquieren les hace tener un peso equivalente al de un sujeto. Estos objetos son otro tipo de cuerpo, que puede interactuar y sentir, pero que también puede escapar o perderse. Estos objetos, si se pierden o escapan entre los agujeros, son irremplazables, pues sirven de objeto pero también de escudo, y una vez desaparece éste se puede ver el vacío que deja, el agujero. Este interés responde a la compleja relación entre volúmenes formalmente separados pero emocionalmente unidos, y los relaciona dentro de fantásticos escenarios.
Su práctica presta una constante atención a las nociones de accidente, el amor y la fragilidad, que responden a una urgencia dentro de la situación social contemporánea en la que vivimos. Esther desarrolla estas ideas a través de una variedad de medios que se activan desde el uso de imágenes, objetos o textos que crecen hacia una materialidad escultórica, narrativa y escénica; pudiendo ser ésta activada a través de agentes concretos y el público.
(Kaunas, 1984) basa su práctica performativa en la música y coquetea con la cultura pop, los estereotipos de género y la nostalgia. Sus obras involucran a intérpretes con y sin formación, a menudo mediante el canto a través de una amplia gama de géneros como la música pop y la ópera. El canto toma la forma de un evento colectivo y afectivo que cuestiona la vulnerabilidad y el silenciamiento. En 2019 su obra de performance colaborativa Sun & Sea (Marina) recibió el premio León de Oro en la Bienal de Arte de Venecia. Sus exposiciones recientes y próximas incluyen la Fundación Cartier, París; el Museo de Arte de Tel Aviv; RIBOCA2 - Bienal de Riga; Tai Kwun, Hong Kong; Glasgow International; Kunstenfestivaldesarts, Bruselas; Bienal de Kaunas, Lituania; Pompeii Commitment y Castello di Rivoli, Italia.
(Jalisco, 1993) es graduado por el Royal College of Art, Londres. Previamente estudió Diseño Textil en Central Saint Martins Londres.
El punto de partida de su obra pictórica y escultórica es la “coreografía intuitiva”, término que condensa una repetición metodológica: salir, desplazarse para volver y luego trazar el recorrido. En general, estos viajes fuera de la ciudad buscan que el cuerpo se convierta en el medio para una presencia atenta en su entorno. La apuesta no es por una interpretación de lo natural, sino por una relación singular que permite al cuerpo generar un diferencial al verse afectado por el encuentro: es decir, por lo imprevisible. La sensación se abre y la percepción responde estableciendo una línea de interpretación, una posición -con vistas a ser compartida- sobre lo experimentado.
Al regresar, comienza la segunda parte del proceso. Pensando en la producción como una especie de tránsito, Alejandro Villa, suele trabajar en series que le permiten explorar lo vivido y lo experimentado, al tiempo que éste se ve afectado por los materiales y las condiciones de cada medio.
En pintura, el límite es la propia paleta de colores, que selecciono antes de empezar. Más que una representación, la pintura es para mí una coreografía que empieza y termina con el cuerpo: la mano traza, pero el cuerpo se mueve sobre el lienzo. Esto emite una temporalidad ligada al trance entre pintura y memoria; la pintura es la presencia frente al cuadro, mientras que la memoria (del viaje que precede a la práctica) es el contrapunto que construye el ritmo de la composición. En ella, la superposición de marcas y manchas es tan relevante como el vacío que sustenta tanto la experiencia como la imagen.
(Copenhagen, 1992) se graduó en el Máster en Escultura del Royal College of Art en 2020. Su muestra de fin de máster se exhibió en la Galería V1 en Copenhague, Dinamarca. Su práctica está centrada en un debate de la función y la estética orientado a los objetos. Su práctica escultórica, informada conceptualmente, siempre incluye un amor subyacente por las reglas universales de la belleza que trasciende toda forma y composición. Su trabajo está marcado por un enfoque estético transversal, evidente tanto en sus esculturas como en sus piezas escritas, que aborda y cuestiona las funciones de la traducción en relación con la poesía.
Esta exposición reúne a seis artistas cuyo trabajo explora el lenguaje y se adentra en sus códigos, fallos y capacidad de actuar como una trampa. Desde diferentes lenguajes visuales las obras proponen gestos, procesos, materiales y acciones que se deslizan y se separan del ideal rígido del lenguaje, imaginando nuevos códigos de contacto. Las obras de esta exposición desarticulan lenguajes y los reinventan desde lo aleatorio, la repetición, la desviación o la superposición.
El título hace referencia a un poema de la escritora Jane Hirshfield “The tongue says loneliness, anger, grief, but does not feel them (...)”. En sus textos, la autora aborda temas como el funcionamiento de la mente metafórica, la traducción, la búsqueda de la resistencia desde la poesía, la sorpresa, la incertidumbre y la paradoja.
(Newcastle, 1977) vive y trabaja en Londres. Se graduó en Bellas Artes (Práctica de Estudio y Teoría Crítica Contemporánea) en Goldsmiths, Universidad de Londres, en 2001. En 2016, Dean fue nominado al Premio Turner y en 2018 fue nominado al Premio Hepworth de Escultura. Las exposiciones individuales de Dean incluyen Government en el Instituto Henry Moore (2010), Qualities of Violence en el centro de arte De Appel, Ámsterdam (2015), Sic Glyphs en la South London Gallery (2016), Lost True Leaves en el Nasher Sculpture Center de Dallas, Texas, Estados Unidos (2016), Tender Tender en el Westphalian State Museum of Art and Cultural History, Munster y Stamen Papers en la Fondazione Giuliani, Roma (2016).
(Vic, 1991) vive y trabaja entre Barcelona y Torelló. Se dedica a la práctica artística, mediante la cual lleva a cabo varias exploraciones del lenguaje. Su obra se caracteriza por no enmarcarse dentro de ninguna técnica concreta, siendo a su vez el proceso de creación en sí mismo basada en su propio trabajo de investigación performativa. Ha expuesto en diferentes espacios de Barcelona y Tarragona, así como en México y Alemania. Cabe mencionar que en el año 2018 ganó el premio Art Nou a la mejor artista emergente en Barcelona.
Ha expuesto en diferentes espacios de Barcelona y Tarragona, así como en México y Alemania. Complementa la producción artística con la investigación teórica que desarrolla en el Departamento de Traducción, Interpretación y Lenguas Aplicadas de la Universidad de Vic. También escribe crítica de arte para A*Desk y Encuentros y es profesora en la Escuela de Artes Plásticas de Torelló y en La Farinera, de Vic. Es cofundadora de los colectivos Murió de Frío y Supterranis (organizadoras del Festival Plaga) y miembro de la comisión de artes visuales del Festival Festus, de Torelló.
Elisa Pardo Puch (Madrid, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la UCM en el CES Felipe II de Aranjuez. En 2017, obtuvo un Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Complutense de Madrid. En 2010, completó sus Estudios Superiores de Diseño en la Escuela de Arte no 10 de Madrid y, en 2009, fue beneficiaria de una beca Erasmus en la École Duperré de París.
Su obra ha sido expuesta en varias muestras individuales y colectivas, destacando exposiciones como "Metal Heart: lo que pesa" en Departamento, Bilbao; "Bajo el cielo de la noche" en Boiler Room, Luis Adelantado Gallery, Valencia; y "A Strange Fairytale" en Pradiauto, ArteSantander, Santander, entre otras. Además, ha participado en importantes exposiciones colectivas como la presentación del Premio Miquel Casablancas (2023) en Barcelona, "Malas Hierbas" en CasaBanchel, Madrid (2024), y "Garden Shed" en Villa Bergerie, Huesca (2023).
Pardo Puch también ha sido parte de diversas residencias artísticas, incluyendo GlogauAIR en Berlín (2024), Villa Bergerie y la Pollock-Krasner Foundation en Huesca (2023), Artist in Residence Munich (2022) y el Programa de Residencias Artísticas de Matadero en Madrid (2020).
A lo largo de su carrera ha recibido varios reconocimientos, como el Premio Miquel Casablancas (finalista, 2023), el Premio de Adquisición en Nada Sobra de la Universidad Nebrija (2017) y la Mención Especial en Getxoarte, Bilbao (2016).
A partir de experiencias personales, emociones y situaciones cotidianas, la obra de Pardo Puch explora la memoria, el deseo y la repetición. Su práctica se apoya en procesos intuitivos y minuciosos en los que el dibujo y la costura ocupan una posición central. En sus piezas, el contraste entre materiales industriales y técnicas artesanales genera un diálogo que desafía las asociaciones convencionales entre forma, función y valor.
Su trabajo emplea la geometría para estructurar procesos en los que la cuadrícula, la perspectiva calculada y la precisión de las líneas convierten la repetición en un estado casi meditativo. Desde el detenimiento y la acumulación, la artista concibe su práctica como un espacio de canalización, donde el hacer deviene pensamiento y los materiales desechables revelan nuevas posibilidades expresivas.
(Bilbao, 1979) vive y trabaja entre Londres y Berlín. Es licenciada en Filosofía por la Universidad de Deusto, en Escultura por la Wimbledon School of Art (Londres) y tiene un máster en Escultura por el Royal College of Art (Londres). Sus exposiciones individuales incluyen: ¡Stay Twice, Bielefelder Kunstverein, Bielefeld, Alemania (2019); Faces, Espai 13, Fundación Joan Miró, Barcelona, España (2019); Ask the Dust, Museo de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara, California, Estados Unidos (2018-19); New Clear Family, Frankfurt am Main, Berlín, Alemania (2018); The only out is in, The Sunday Painter, Londres, Reino Unido (2017); Book! Don't tell me what to do, Parallel Oaxaca, Ciudad de México, México (2017); Dumb Bells, Saturdays Live, Serpentine Galleries, Londres, Reino Unido (2016); Cosmic Clap, MOT International, Londres; Reino Unido (2015); Motor Motor, Praxis, Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, España (2012). Recientemente, formó parte del proyecto curatorial Absolute Beginners en CentroCentro, Madrid, España (2020).
Pradiauto presenta "Far Away From Anywhere Else", el primer proyecto site specific de Gabriel Alonso en La Mosca, Madrid.
Incluyendo escultura, pintura e instalación, "Far Away From Anywhere Else" se configura como un ecosistema mutante cuyos cuerpos humanos y no humanos atienden a los cambios ambientales, temporales y físicos de su contexto inmediato. La exposición se materializa en una serie de obras pero sucede, sobre todo, en las reacciones, efectos e interrelaciones que se generan en ellas y entre ellas. El proyecto explora la intención humana de preservar la vida y mantener su forma. A través de un gran escenario habitado, la instalación responde y reproduce la dosis de artificio asociado a cualquier intento de imitar lo natural. Activando una coreografía arbitraria de procesos matéricos, físicos y químicos, la propuesta visibiliza y reacciona a los mecanismos humanos de control.
A medio camino entre lo escultórico, lo constructivo y lo ambiental, "Far Away From Anywhere Else" surge al situar un mundo fluido, viscoso y efímero en un contenedor que permite a estas propiedades expandirse. Sin perseguir un discurso cerrado, las esculturas—cuyos materiales y formas necesitan un constante cuidado—son fragmentos de una reflexión sobre la fragilidad de la vida, que convive y se canaliza con la imaginación del ser humano. El lugar se convierte en un gran organismo sediento que requiere de una dosis exacta de hidratación, alquimia y especulación. Los materiales nos hablan desde sus propias cualidades para comunicarse. La tierra, el agua, la resina, las ramas, el barro y los fertilizantes se mueren, explotan, resecan, se descomponen y crecen. De alguna manera, el cambio y la contingencia dirigen este lugar desde el desorden pero también desde la quietud y la belleza.
"Far Away From Anywhere Else" propone un mundo extraño e ilógico donde imaginar nuevos vínculos, empatías y maneras de permanecer. ¿Qué pasaría si se pudiera fertilizar la luz? ¿Qué pasaría si flotaran los huesos? ¿Nos está hablando la medusa cuando nos pica? ¿Qué pasaría si crecieras en un jardín de plantas tóxicas? ¿Puede envenenarse la exposición?
Pradiauto acoge el primer FOCUS del Instituto de Estudios Postnaturales (Madrid), que se centra en la práctica artística de Eulàlia Rovira y Adrian Schindler. Es la primera ocasión en la que se muestra en Madrid una selección de su obra conjunta, desarrollada en paralelo a sus prácticas individuales. Su colaboración está vertebrada por la escritura y plantea ejercicios de desplazamiento tanto del ojo que mira como de la voz que narra. Moviéndose entre el subsuelo y la superficie, las piezas atraviesan gases, huesos, químicos, divinidades, tecnologías y plantas en un intento de subvertir la centralidad del sujeto.
"Une lampe éclaire une lampe qui éclaire", "La Part Sombre" y "When you light this rock it burns like wood" indagan en la pizarra bituminosa, una roca sedimentaria rica en hidrocarburos que se extraía antes del descubrimiento del petróleo.
Deteniéndose en un gesto tan mínimo como el de pelar una fruta descartada por el gran consumo, "La figa, l’espina, l’escut" reclama un espacio de latencia y singularidad al margen de los sistemas de uniformización y exclusión. Reuniendo piezas de los últimos cuatro años, la exposición se mueve por campos y problemáticas comunes al marco de trabajo del Instituto de Estudios Postnaturales como la geología, los combustibles fósiles, el comercio global, el paisaje y la agencia no humana.
(Francia/Alemania, 1989) reside en España desde 2014. Su práctica trata el vínculo entre acontecimientos históricos, producción cultural e ideología de estado, haciendo hincapié en sus efectos sobre las subjetividades. A menudo colaborativa, toma la forma de performances, películas, instalaciones y encuentros públicos. Su trabajo ha sido presentado en el MACBA (2021), The Green Parrot, Barcelona (2021), Espositivo, Madrid (2021), Fabra i Coats, Barcelona (2021), Centre d’art Le Lait, Albi (2020), Mahal Art Space, Tánger (2019), La Grande Halle de La Villette, París (2018), La Capella, Barcelona (2017) o FRAC Champagne-Ardenne, Reims (2017). Sus residencias incluyen Casa de Velázquez, Madrid (2020-21, 2019), Château Nour, Bruselas (2020), Superdeals, Bruselas (2018), Le Centquatre, París (2014-15) y ZK/U, Berlín (2012-13). Ha estudiado en el Institute for Art in Context, UdK Berlin (2015), la École des Beaux-Arts de París (2012), el Columbia College y la School of the Art Institute of Chicago (2011).
(Barcelona, 1985) es licenciada en Bellas Artes y ha cursado el máster Art in Context en la UdK de Berlín. Su práctica recorre los cimientos que estructuran la rectitud occidental y cómo estos petrifican en los cuerpos y en el lenguaje. Recientemente, ha expuesto en Twin Gallery (Madrid), Capella de Sant Roc (Valls), Centro de Arte La Panera (Lleida), M|A|C (Mataró), Centro de Arte Maristany (Sant Cugat) o Sala Amadís de Injuve (Madrid). Desde el 2013 también trabaja en colaboración con el artista Adrian Schindler. Han expuesto en el Musée de Bibracte (Saint-Léger-sur-Beuvray, FR), Sala Muncunill (Terrassa), Homesession y Fireplace (Barcelona), y en exposiciones colectivas o screenings como Galerie Martin Janda (Vienna), àngelsbarcelona, EtHall (Hospitalet), Turf Projects (Croydon, UK), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria), ZKU - Center for Art and Urbanistics (Berlín) y la Escocesa (Barcelona). En 2018 fueron premiadas con la beca de artes visuales de la Fundación Güell.
Gabriel fue a recoger trozos de coches rotos para hacer moldes y unos días más tarde paseó hasta el parque de Pradolongo a recoger flores. Lucía encontró en Madrid una cesta, se la llevó a su estudio y la recubrió de pulpa de papel y comics azules de su amiga. Lijó, la cesta empezaba a dibujar sobre la pulpa. Esther soñaba con manchas de aceite en el suelo de un taller. Con resina epoxy translux pintó esas manchas hasta que escalaron las paredes de su estudio convirtiéndose en ventanas, o como ella las llama, portales. Rafa se enamoró de una viga que ahora es blanca. Hacia la curva cerrada se metió entre medias. Ahora son amigas. Elisa investigó las carreras. Carreras de caballos, carreras de coches. En las carreras de caballos, los manteles de los picnics eran también las banderas de fin. Victor: tuberías, conductor, embudos, bebederos y túneles. Espacios conductores con forma propia.
Hot links presenta la obra de seis artistas que están estrechamente vinculadas a la ciudad de Madrid. La exposición inaugura Pradiauto: nace como una reacción a su transformación. Las artistas han desarrollado sus piezas en paralelo y en conexión con la mutación de Pradiauto, un taller mecánico que se convierte en espacio expositivo. A su vez, el proyecto observa similitudes entre las diferentes vidas del espacio, que en ambos casos tienen que ver con un ejercicio de cuidado, reparo y puesta en funcionamiento.
